Asta 66 - Dipinti selezionati XIX e XX

Luigi Brignoli
Palosco (Bg) 1881 - Bergamo 1952

"paesaggio "
Olio su tavola cm 24x31 firmato in basso a dx L.Brignoli

- Luigi Brignoli nacque il 18 aprile 1881 a Palosco, in provincia di Bergamo, e morì a Bergamo nel 1952. Dopo aver frequentato l'Accademia Carrara di Bergamo, dove fu allievo di Cesare Tallone e Ponziano Loverini, proseguì la sua formazione all'Accademia di Brera a Milano, che frequentò per due anni.La sua carriera artistica lo vide partecipare a numerose esposizioni. Nel 1907 prese parte alla VII Esposizione Internazionale d'Arte della Città di Venezia con il dipinto "Penombre". Nel 1918, durante la Biennale di Brera, presentò l'opera "1914", che gli valse la medaglia d'oro del Ministero della Pubblica Istruzione. Quest'opera, una rappresentazione simbolica dei lutti causati dall'invasione tedesca, fu acquistata dal governo belga e rimase esposta al Museo Reale di Bruxelles dal 1922 al 1930.Nel 1922, Brignoli intraprese un viaggio in Nord Africa, visitando l'Algeria e la Tunisia. Al suo ritorno, espose le opere realizzate durante il soggiorno africano al Circolo Artistico Bergamasco, ottenendo elogi sia dal pubblico che dalla critica. Nel 1926, succedette al suo maestro Ponziano Loverini nella direzione dell'Accademia Carrara di Bergamo, ruolo che mantenne fino al 1945, quando fu sostituito da Mario Sironi. Nello stesso anno, Brignoli sposò Anita Taramelli, compagna di viaggio in numerose sue esplorazioni artistiche, tra cui Belgio, Olanda, Sardegna e Africa.Oltre ai paesaggi, Brignoli si distinse come ritrattista, realizzando numerosi ritratti di notabili arabi. La sua pittura "africana" lo posiziona come pioniere di un tema che influenzò molti altri artisti bergamaschi, tra cui Giorgio Oprandi, Ernesto Quarti Marchiò e Romualdo Locatelli. Questi artisti, affascinati dal suo lavoro, intrapresero viaggi simili in Nord Africa, contribuendo all'espansione del movimento orientalista.Nel 1934, Brignoli organizzò una mostra personale intitolata "Tripolitania" al Circolo Artistico Bergamasco, presentando opere ispirate ai suoi viaggi in Africa. Nel 1942, partecipò a una mostra alla Permanente di Milano insieme ad altri artisti, tra cui Cugusiini e Della Foglia.Le opere di Luigi Brignoli sono state esposte in diverse sedi prestigiose, tra cui la Galleria Pesaro di Milano nel 1926, e hanno ricevuto riconoscimenti in mostre internazionali come quelle di Bruxelles e Buenos Aires nel 1911. La sua arte continua a essere apprezzata per la profondità emotiva e la precisione tecnica, offrendo uno sguardo intimo sulle culture e i paesaggi che ha rappresentato.

Oreste Albertini
Torre del Mangano (PV) 1887 - Besano (VA) 1953

"Paesaggio montano"
Olio su tavola cm 28,5x38,5 firmato in basso a dx O.Albertini

- Oreste Albertini nacque il 28 marzo 1887 a Torre del Mangano, un piccolo comune in provincia di Pavia. Fin da giovane, dimostrò un forte interesse per l'arte e, all'età di tredici anni, divenne apprendista dell'affreschista Cesare Maroni, collaborando alla realizzazione di affreschi nella chiesa di Besano, in provincia di Varese. La sua formazione continuò presso la Scuola Civica di Pittura di Pavia, dove affinò le sue competenze artistiche.Nel 1910 si trasferì a Milano per proseguire i suoi studi. Si iscrisse alla Scuola di Decorazione dell'Umanitaria e frequentò l'Accademia di Brera. Durante questi anni, Albertini si avvicinò all'ambiente artistico milanese, partecipando alle esposizioni della Permanente e iniziando a fare esperienza nel campo della pittura decorativa e del lavoro come operaio meccanico.Nel 1921, Albertini si stabilì a Besano, dove trascorse il resto della sua vita. Nonostante la sua residenza in provincia, continuò a frequentare Milano, dove allestì un atelier e partecipò attivamente alle esposizioni. La sua pittura, inizialmente influenzata dal divisionismo, si concentrò principalmente su paesaggi, specialmente sulle Dolomiti e sulle campagne del Varesotto, tra cui Besano e Viconago.Le opere di Albertini sono note per la loro tecnica raffinata e la capacità di catturare l'essenza dei luoghi rappresentati. La sua sensibilità artistica gli permise di trasmettere la bellezza naturale dei paesaggi, con un'attenzione particolare alla luce e ai dettagli. Alcuni dei suoi lavori sono conservati in importanti collezioni pubbliche, tra cui i musei civici di Pavia e la Galleria d'Arte Moderna di Milano.Oreste Albertini morì il 7 luglio 1953 a BesanoOreste Albertini nacque il 28 marzo 1887 a Torre del Mangano, un piccolo comune in provincia di Pavia. Fin da giovane, dimostrò un forte interesse per l'arte e, all'età di tredici anni, divenne apprendista dell'affreschista Cesare Maroni, collaborando alla realizzazione di affreschi nella chiesa di Besano, in provincia di Varese. La sua formazione continuò presso la Scuola Civica di Pittura di Pavia, dove affinò le sue competenze artistiche.Nel 1910 si trasferì a Milano per proseguire i suoi studi. Si iscrisse alla Scuola di Decorazione dell'Umanitaria e frequentò l'Accademia di Brera. Durante questi anni, Albertini si avvicinò all'ambiente artistico milanese, partecipando alle esposizioni della Permanente e iniziando a fare esperienza nel campo della pittura decorativa e del lavoro come operaio meccanico.Nel 1921, Albertini si stabilì a Besano, dove trascorse il resto della sua vita. Nonostante la sua residenza in provincia, continuò a frequentare Milano, dove allestì un atelier e partecipò attivamente alle esposizioni. La sua pittura, inizialmente influenzata dal divisionismo, si concentrò principalmente su paesaggi, specialmente sulle Dolomiti e sulle campagne del Varesotto, tra cui Besano e Viconago.Le opere di Albertini sono note per la loro tecnica raffinata e la capacità di catturare l'essenza dei luoghi rappresentati. La sua sensibilità artistica gli permise di trasmettere la bellezza naturale dei paesaggi, con un'attenzione particolare alla luce e ai dettagli. Alcuni dei suoi lavori sono conservati in importanti collezioni pubbliche, tra cui i musei civici di Pavia e la Galleria d'Arte Moderna di Milano.Oreste Albertini morì il 7 luglio 1953 a Besano.

Arturo Ferrari
Milano 1861 - 1932

"Brianza"
Olio su tela cm 22x33 firmato in basso a dx A.Ferrari

- Arturo Ferrari nacque a Milano il 26 gennaio 1861 in una famiglia di artisti, e fin da ragazzo fu avviato alla pittura dal padre, che aveva lavorato come decoratore collaborando con pittori dell’epoca. Proseguì la sua formazione artistica all’Accademia di Brera a Milano dal 1877 al 1884 sotto la guida di Giuseppe Bertini, frequentando contemporaneamente lo studio di Gerolamo Induno, figura di spicco della pittura lombarda.Debuttò nel 1879 all’Esposizione di Belle Arti di Brera con una veduta dell’interno del Duomo di Milano, dando avvio a un percorso artistico incentrato soprattutto sulla rappresentazione prospettica della città e dei suoi angoli caratteristici. Nel cuore della sua produzione si trovano soprattutto vedute architettoniche, scorci urbani, interni di chiese, navigli, piazze e paesaggi in cui rivive l’atmosfera poetica e sentimentale della “Vecchia Milano”, un volto della città destinato a scomparire con le profonde trasformazioni urbanistiche degli anni successivi. Questa capacità di coniugare rigore prospettico e sensibilità romantica lo rese presto tra i principali interpreti di questo filone pittorico.Ferrari mantenne uno stile coerente con la tradizione lombarda romantica, rimanendo sostanzialmente indifferente ai movimenti più avanguardisti dell’epoca e alle novità tecniche come il divisionismo, preferendo ritrarre il mondo con fedeltà e chiarezza narrativa. Partecipò con regolarità alle principali esposizioni artistiche italiane fino al 1932, anno della sua morte, ottenendo numerosi riconoscimenti ufficiali e un costante apprezzamento da parte del pubblico e della critica conservatrice.Nel corso della sua lunga attività dipinse e acquerellò non solo vedute milanesi ma anche scorci di altre città italiane come Como, Pavia e Venezia, e paesaggi più ampi di campagna e di montagna. Opere significative come Interno della chiesa di Sant’Antonio in Milano, Una via di Milano e L’aperta vita operosa sono testimonianze dell’attenzione con cui Ferrari seppe cogliere e fissare sulla tela frammenti di vita e di architettura urbana. Diverse sue tele sono conservate in istituzioni museali, tra cui la Galleria d’Arte Moderna di Milano e raccolte civiche, mentre molte altre fanno parte di collezioni private.Arturo Ferrari morì a Milano il 31 ottobre 1932 all’età di 71 anni

Luigi Lanza
Venezia 1860-1913

"Sulla panchina"
Olio su cartone cm 31,5x47,5 firmato in basso a dx Lanza

- Luigi Lanza nacque a Venezia nel 1860 e fin da giovane manifestò una forte vocazione per la pittura, coltivata all’Accademia di Belle Arti della sua città natale, dove affinò le tecniche del disegno e dell’olio, avvicinandosi alla tradizione del vedutismo veneziano. Fratello del pittore Giovanni Lanza, sviluppò un linguaggio pittorico incentrato sulla rappresentazione di vedute, marine e paesaggi lagunari, prestando particolare attenzione alla prospettiva, ai riflessi sull’acqua e all’atmosfera dei luoghi che ritraeva.Nel corso della sua carriera espose regolarmente nelle principali rassegne artistiche italiane, tra cui le mostre di Torino, Firenze, Milano e Genova, proponendo opere che illustravano scorci di Venezia, del Lido, della Laguna e di altre città italiane come Napoli. La sua pittura si caratterizza per l’equilibrio tra la precisione prospettica e la resa luministica: le sue marine e vedute urbane trasmettono una vibrante presenza atmosferica, con riflessi sull’acqua e tonalità che suggeriscono il movimento e la vita silenziosa dei luoghi.Lanza partecipò anche a esposizioni internazionali, tra cui la Mostra d’Arte Italiana a Londra nel 1888, ampliando la propria visibilità oltre i confini nazionali. Tra le sue opere più note si ricordano Riva a Venezia, Al Lido, Sulla Laguna, Fondamenta della Misericordia e la Veduta di Castel dell’Ovo a Napoli, tutte esempi della sua capacità di combinare rigore tecnico e sensibilità poetica. La sua attività continuò almeno fino al 1913Luigi Lanza nacque a Venezia nel 1860 e fin da giovane manifestò una forte vocazione per la pittura, coltivata all’Accademia di Belle Arti della sua città natale, dove affinò le tecniche del disegno e dell’olio, avvicinandosi alla tradizione del vedutismo veneziano. Fratello del pittore Giovanni Lanza, sviluppò un linguaggio pittorico incentrato sulla rappresentazione di vedute, marine e paesaggi lagunari, prestando particolare attenzione alla prospettiva, ai riflessi sull’acqua e all’atmosfera dei luoghi che ritraeva.Nel corso della sua carriera espose regolarmente nelle principali rassegne artistiche italiane, tra cui le mostre di Torino, Firenze, Milano e Genova, proponendo opere che illustravano scorci di Venezia, del Lido, della Laguna e di altre città italiane come Napoli. La sua pittura si caratterizza per l’equilibrio tra la precisione prospettica e la resa luministica: le sue marine e vedute urbane trasmettono una vibrante presenza atmosferica, con riflessi sull’acqua e tonalità che suggeriscono il movimento e la vita silenziosa dei luoghi.Lanza partecipò anche a esposizioni internazionali, tra cui la Mostra d’Arte Italiana a Londra nel 1888, ampliando la propria visibilità oltre i confini nazionali. Tra le sue opere più note si ricordano Riva a Venezia, Al Lido, Sulla Laguna, Fondamenta della Misericordia e la Veduta di Castel dell’Ovo a Napoli, tutte esempi della sua capacità di combinare rigore tecnico e sensibilità poetica. La sua attività continuò almeno fino al 1913.

Giuseppe Sorgiani
Veneto 1889 - 1952

"Colori del tramonto "
Olio su cartone cm 40x49,5 firmato in basso a dx Sorgiani

- Giuseppe Sorgiani nacque nel 1889 in Veneto e si affermò come pittore, litografo, illustratore e cartellonista tra la fine dell’Ottocento e la metà del Novecento. Formatosi in un contesto artistico veneto, sviluppò una solida tecnica pittorica e una sensibilità particolare per il paesaggio e le scene di vita quotidiana. Sin dai primi anni prese parte a importanti esposizioni regionali e nazionali, tra cui la I Mostra d’Arte Trevigiana nel 1907 e l’Esposizione delle Tre Venezie alla Galleria Pesaro di Milano nel 1917, presentando opere che già rivelavano la padronanza della forma e la capacità di cogliere l’atmosfera dei luoghi.Negli anni successivi Sorgiani ampliò la propria attività artistica occupandosi anche di cartellonistica e illustrazione, realizzando targhe pubblicitarie per aziende veneziane e disegni promozionali per il Lido di Venezia, oltre a collaborazioni a volumi illustrati come L’Italia e la sua guerra. La sua pittura si distingue per la cura formale e l’attenzione alla luce e al colore, con una resa dei paesaggi, delle marine e delle vedute naturalistiche che fonde classicismo e sensibilità realistica, restituendo al tempo stesso l’atmosfera idilliaca dei luoghi ritratti. Tra le sue opere più note si ricordano Antiche mura e Notturno, esempi della sua capacità di coniugare precisione tecnica e interpretazione poetica della natura.Giuseppe Sorgiani morì nel 1952Giuseppe Sorgiani nacque nel 1889 in Veneto e si affermò come pittore, litografo, illustratore e cartellonista tra la fine dell’Ottocento e la metà del Novecento. Formatosi in un contesto artistico veneto, sviluppò una solida tecnica pittorica e una sensibilità particolare per il paesaggio e le scene di vita quotidiana. Sin dai primi anni prese parte a importanti esposizioni regionali e nazionali, tra cui la I Mostra d’Arte Trevigiana nel 1907 e l’Esposizione delle Tre Venezie alla Galleria Pesaro di Milano nel 1917, presentando opere che già rivelavano la padronanza della forma e la capacità di cogliere l’atmosfera dei luoghi.Negli anni successivi Sorgiani ampliò la propria attività artistica occupandosi anche di cartellonistica e illustrazione, realizzando targhe pubblicitarie per aziende veneziane e disegni promozionali per il Lido di Venezia, oltre a collaborazioni a volumi illustrati come L’Italia e la sua guerra. La sua pittura si distingue per la cura formale e l’attenzione alla luce e al colore, con una resa dei paesaggi, delle marine e delle vedute naturalistiche che fonde classicismo e sensibilità realistica, restituendo al tempo stesso l’atmosfera idilliaca dei luoghi ritratti. Tra le sue opere più note si ricordano Antiche mura e Notturno, esempi della sua capacità di coniugare precisione tecnica e interpretazione poetica della natura.Giuseppe Sorgiani morì nel 1952.

Anonimo siglato
italia XIX - XX secolo

"Natura morta "
Olio su tela cm 25x33 siglato in basso a dx F.R firmato Non firmato

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Flaminio Penco
Borgoforte ( MN ) 1892 - Iseo ( BS ) 1987

"ulivi sul lago Luglio 1939"
Olio su tavola cm 29x41,5 firmato in basso a dx Flaminio Penco

- Flaminio Penco nacque il 5 giugno 1892 a Borgoforte, in provincia di Mantova, e si affermò come uno dei pittori lombardi più interessanti della prima metà del Novecento. Fin da giovane dimostrò un forte temperamento artistico, che lo portò a studiare pittura presso l’Accademia di Brera a Milano, dove perfezionò la tecnica e ricevette riconoscimenti che gli permisero anche di insegnare. La sua formazione, solida e attenta, gli consentì di sviluppare uno stile incentrato sulla resa realistica della luce e dell’atmosfera, con particolare sensibilità per paesaggi, marine, scorci urbani e ritratti.Negli anni Venti Penco partecipò a importanti esposizioni, tra cui la Mostra Nazionale di Belle Arti alla Permanente di Milano, presentando opere come il trittico “Paesaggi della Valsassina” e “Testa di ragazza”, che evidenziavano la sua capacità di coniugare rigore tecnico e sensibilità poetica. Fu invitato anche a mostre dedicate al ritratto femminile e presentò vedute di luoghi italiani come Camogli, Desenzano sul Garda e Milano, alternando dipinti a pastelli, e realizzando opere che catturavano la luce e l’atmosfera dei luoghi con precisione e delicatezza.La sua produzione si distingue per l’attenzione alla luce, ai riflessi sull’acqua e alla composizione spaziale, come si può osservare in opere quali Lago d’Iseo e Laguna veneta al tramonto e Milano – Vecchia Piazza della Stazione Nord. L’artista seppe trattare con uguale cura paesaggi e figure umane, rendendo la sua pittura varia, armoniosa e capace di evocare la realtà con vivida intensità.Flaminio Penco visse una lunga vita dedicata all’arte e morì nel 1987 a Iseo, in provincia di Brescia, all’età di 95 anni.

Firma indecifrata
Italia XX secolo

"Sulla spiaggia"
Olio su cartone cm 22x32 firmato in basso a sx

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Giuseppe Omio
Lovere (BG) 1881 - Milano 1955

"Fuori dalla chiesa"
Olio su tavola cm 32,5x24,5 firmato in basso a dx G.Omio

- Giuseppe Omio nacque a Lovere, in provincia di Bergamo, nel 1881 e si affermò come pittore italiano attivo nella prima metà del Novecento, noto per le sue vedute paesaggistiche e i soggetti legati alla natura alpina. Cominciò la sua formazione artistica all’Accademia Carrara di Bergamo, sotto la guida di P. Loverini, dove sviluppò solide basi tecniche, e proseguì gli studi all’Accademia di Brera a Milano con Cesare Tallone, affinando la padronanza del disegno e della pittura.Durante gli anni della sua attività espositiva partecipò con regolarità alle principali rassegne artistiche lombarde, tra cui la Mostra Nazionale di Belle Arti di Milano del 1906, presentando opere come Echi alpini e Fra i ghiacci, e fu presente anche alle esposizioni della Famiglia Artistica milanese con la serie Impressioni e con un autoritratto. La sua presenza si estese anche all’ambito internazionale: nel 1907 espose a Parigi al Salon des Peintres Divisionnistes Italiens e nel 1912 partecipò a una mostra internazionale ad Amsterdam, consolidando la sua reputazione di pittore attento alla luce e all’atmosfera dei paesaggi.La pittura di Omio si distingue per la capacità di rendere con sensibilità le montagne, i laghi e le vedute alpine, combinando rigore tecnico e suggestione poetica. Le sue opere mostrano un uso luminoso della tavolozza e un’attenzione ai mutamenti stagionali e atmosferici, catturando la quiete e la bellezza meditativa dei luoghi. Dipinti come Lago d’Iseo e paesaggi alpini testimoniano la sua abilità nel fondere tradizione e sensibilità moderna, confermandolo come interprete della pittura paesaggistica italiana di inizio Novecento.Giuseppe Omio visse e lavorò a Milano, dedicandosi all’arte fino alla sua morte nel 1956.

Cesare Monti
Brescia 1891 - Bellano 1959

"la strada a Dervio 1957"
Olio su tela cm 40x63 firmato in basso a dx C.Monti

- Cesare Monti fu una delle figure più significative della pittura italiana della prima metà del Novecento, capace di attraversare linguaggi e stagioni artistiche mantenendo sempre una forte identità personale. Nacque a Brescia il 2 marzo 1891 in una famiglia modesta, figlio di un barbiere, e mostrò fin da giovanissimo una naturale inclinazione per il disegno e il colore. Ancora adolescente ebbe l’opportunità di soggiornare a Parigi, esperienza decisiva per la sua formazione: tra il 1906 e il 1908 entrò in contatto con l’ambiente artistico della capitale francese, frequentò musei e atelier e si confrontò direttamente con l’impressionismo e il post-impressionismo, assimilando una nuova sensibilità luministica e cromatica.Rientrato in Italia, Monti si stabilì per un periodo in Val Sabbia, dove approfondì il proprio linguaggio pittorico in un contesto più raccolto e meditativo. Nel 1912 ottenne una borsa di studio che gli consentì di trasferirsi a Milano, città che divenne il centro della sua attività artistica. Qui aprì il suo studio in via Bagutta e iniziò a lavorare con continuità, inserendosi rapidamente nel vivace ambiente culturale milanese. Lo scoppio della Prima guerra mondiale interruppe temporaneamente il suo percorso: Monti partecipò al conflitto, esperienza che segnò profondamente la sua sensibilità, ma al termine della guerra riprese a dipingere con rinnovata intensità.Negli anni Venti e Trenta la sua carriera conobbe una fase di piena maturità. Partecipò regolarmente alle principali esposizioni nazionali e internazionali, affermandosi come uno degli artisti più apprezzati del suo tempo. Pur non aderendo formalmente al movimento del Novecento Italiano, ne condivise alcune istanze, soprattutto il recupero della solidità formale e della centralità della figura, reinterpretate però attraverso una pittura più libera, vibrante e sensoriale. La sua presenza alla Biennale di Venezia fu costante e culminò nel 1940 con una sala personale che sancì il riconoscimento ufficiale del suo valore artistico.La pittura di Cesare Monti si caratterizza per una continua tensione tra struttura e colore. Dopo le prime esperienze vicine al divisionismo, il suo linguaggio si fece progressivamente più fluido e materico, con una pennellata ampia e una tavolozza intensa. Affrontò con naturalezza una grande varietà di soggetti: paesaggi, nature morte, figure femminili, fiori e scorci urbani, sempre trattati con una profonda attenzione alla luce e all’atmosfera. Nei suoi dipinti la realtà non è mai descritta in modo puramente oggettivo, ma filtrata attraverso una sensibilità lirica che trasforma il dato visivo in esperienza emotiva.Negli ultimi anni continuò a lavorare con coerenza e passione, mantenendo viva la ricerca pittorica senza cedere alle mode effimere. Morì nel 1959 a Bellano, sul lago di ComoCesare Monti fu una delle figure più significative della pittura italiana della prima metà del Novecento, capace di attraversare linguaggi e stagioni artistiche mantenendo sempre una forte identità personale. Nacque a Brescia il 2 marzo 1891 in una famiglia modesta, figlio di un barbiere, e mostrò fin da giovanissimo una naturale inclinazione per il disegno e il colore. Ancora adolescente ebbe l’opportunità di soggiornare a Parigi, esperienza decisiva per la sua formazione: tra il 1906 e il 1908 entrò in contatto con l’ambiente artistico della capitale francese, frequentò musei e atelier e si confrontò direttamente con l’impressionismo e il post-impressionismo, assimilando una nuova sensibilità luministica e cromatica.Rientrato in Italia, Monti si stabilì per un periodo in Val Sabbia, dove approfondì il proprio linguaggio pittorico in un contesto più raccolto e meditativo. Nel 1912 ottenne una borsa di studio che gli consentì di trasferirsi a Milano, città che divenne il centro della sua attività artistica. Qui aprì il suo studio in via Bagutta e iniziò a lavorare con continuità, inserendosi rapidamente nel vivace ambiente culturale milanese. Lo scoppio della Prima guerra mondiale interruppe temporaneamente il suo percorso: Monti partecipò al conflitto, esperienza che segnò profondamente la sua sensibilità, ma al termine della guerra riprese a dipingere con rinnovata intensità.Negli anni Venti e Trenta la sua carriera conobbe una fase di piena maturità. Partecipò regolarmente alle principali esposizioni nazionali e internazionali, affermandosi come uno degli artisti più apprezzati del suo tempo. Pur non aderendo formalmente al movimento del Novecento Italiano, ne condivise alcune istanze, soprattutto il recupero della solidità formale e della centralità della figura, reinterpretate però attraverso una pittura più libera, vibrante e sensoriale. La sua presenza alla Biennale di Venezia fu costante e culminò nel 1940 con una sala personale che sancì il riconoscimento ufficiale del suo valore artistico.La pittura di Cesare Monti si caratterizza per una continua tensione tra struttura e colore. Dopo le prime esperienze vicine al divisionismo, il suo linguaggio si fece progressivamente più fluido e materico, con una pennellata ampia e una tavolozza intensa. Affrontò con naturalezza una grande varietà di soggetti: paesaggi, nature morte, figure femminili, fiori e scorci urbani, sempre trattati con una profonda attenzione alla luce e all’atmosfera. Nei suoi dipinti la realtà non è mai descritta in modo puramente oggettivo, ma filtrata attraverso una sensibilità lirica che trasforma il dato visivo in esperienza emotiva.Negli ultimi anni continuò a lavorare con coerenza e passione, mantenendo viva la ricerca pittorica senza cedere alle mode effimere. Morì nel 1959 a Bellano, sul lago di Como.

Arnaldo Carpanetti
Ancona 1898 - Milano 1969

"Le tre zucche 1960"
Olio su masonite cm 80x50 firmato in basso a dx A.Carpanetti

- Arnaldo Carpanetti nacque ad Ancona il 15 gennaio 1898 e si affermò come uno dei pittori italiani più significativi del Novecento, noto per la sua pittura figurativa e monumentale. La sua formazione iniziò in Brasile, a Manaus, dove da adolescente si fece notare decorando i saloni della “Casa degli Italiani”, ottenendo una borsa di studio per l’Accademia di Brera a Milano. Qui fu allievo di Ambrogio Antonio Alciati, affinando la tecnica e sviluppando un interesse profondo per la grande composizione pittorica.Carpanetti si inserì tra gli esponenti della seconda ondata del Novecento Italiano, movimento che intendeva rinnovare la pittura restituendole una funzione civile e monumentale. Partecipò con regolarità alle principali esposizioni nazionali, tra cui le Biennali di Venezia e le Quadriennali di Roma, ottenendo riconoscimenti prestigiosi come il Premio del PNF alla Biennale veneziana del 1930 per l’opera Incipit Novus Ordo. La sua produzione spaziava dalle grandi scene corali alle pale monumentali, affrontando temi storici, religiosi e civili con vigore narrativo e forza plastica.Accanto alle opere monumentali, Carpanetti realizzò ritratti di personalità contemporanee, tra cui Nicola Romeo e Secondo Galtrucco, dimostrando la sua capacità di coniugare rappresentazione psicologica e resa formale. Dopo la Seconda guerra mondiale si dedicò anche a nature morte e paesaggi, pur mantenendo sempre coerenza nello stile e nella visione figurativa. La sua pittura si distingue per il rigore compositivo, la monumentalità e la capacità di trasmettere con vigore e armonia le emozioni dei soggetti rappresentati.Arnaldo Carpanetti morì a Milano il 5 aprile 1969Arnaldo Carpanetti nacque ad Ancona il 15 gennaio 1898 e si affermò come uno dei pittori italiani più significativi del Novecento, noto per la sua pittura figurativa e monumentale. La sua formazione iniziò in Brasile, a Manaus, dove da adolescente si fece notare decorando i saloni della “Casa degli Italiani”, ottenendo una borsa di studio per l’Accademia di Brera a Milano. Qui fu allievo di Ambrogio Antonio Alciati, affinando la tecnica e sviluppando un interesse profondo per la grande composizione pittorica.Carpanetti si inserì tra gli esponenti della seconda ondata del Novecento Italiano, movimento che intendeva rinnovare la pittura restituendole una funzione civile e monumentale. Partecipò con regolarità alle principali esposizioni nazionali, tra cui le Biennali di Venezia e le Quadriennali di Roma, ottenendo riconoscimenti prestigiosi come il Premio del PNF alla Biennale veneziana del 1930 per l’opera Incipit Novus Ordo. La sua produzione spaziava dalle grandi scene corali alle pale monumentali, affrontando temi storici, religiosi e civili con vigore narrativo e forza plastica.Accanto alle opere monumentali, Carpanetti realizzò ritratti di personalità contemporanee, tra cui Nicola Romeo e Secondo Galtrucco, dimostrando la sua capacità di coniugare rappresentazione psicologica e resa formale. Dopo la Seconda guerra mondiale si dedicò anche a nature morte e paesaggi, pur mantenendo sempre coerenza nello stile e nella visione figurativa. La sua pittura si distingue per il rigore compositivo, la monumentalità e la capacità di trasmettere con vigore e armonia le emozioni dei soggetti rappresentati.Arnaldo Carpanetti morì a Milano il 5 aprile 1969.

Francesco Speranza
Bitonto 1902 - Bari 1984

"Cabine di Palese"
Olio su tavola cm 30x40 firmato in basso a dx Speranza

- Francesco Speranza nacque a Bitonto il 19 ottobre 1902 e si affermò come uno dei pittori italiani più sensibili e raffinati del Novecento, noto per la sua adesione alla pittura figurativa e per i paesaggi della sua terra natale. Fin da giovane mostrò una spiccata vocazione artistica, che lo portò a frequentare l’Accademia delle Belle Arti di Napoli sotto la guida di Vincenzo Migliaro, affinando la tecnica del disegno e della pittura. Successivamente si trasferì a Milano, dove completò la sua formazione all’Accademia di Brera, diplomandosi con il massimo dei voti e consolidando il suo legame tra tradizione e modernità.La sua carriera espositiva si sviluppò a partire dal 1926, con la partecipazione alla mostra della Società per le Belle Arti alla Permanente di Milano, e proseguì con regolarità nelle principali rassegne italiane, tra cui le Biennali di Venezia e le Quadriennali di Roma. La sua pittura si caratterizzò per la capacità di catturare la luce e le atmosfere dei luoghi, prediligendo paesaggi urbani e rurali, marine e scorci di Bitonto, dove la luminosità meridionale si combinava a una sensibilità figurativa meditativa.Accanto ai paesaggi, Speranza realizzò ritratti dei suoi familiari e di amici, dimostrando capacità di unire precisione tecnica e introspezione psicologica. Le sue opere, spesso eseguite con tecniche come la tempera elaborata alla maniera antica, si distinguono per le velature delicate e la resa luminosa dei soggetti, conferendo a ogni scena un lirismo contemplativo e una forte suggestione poetica. Dipinti come Paesaggio italico testimoniano il suo legame con la città natale e la capacità di trasformare scorci quotidiani in visioni poetiche e meditate.Parallelamente alla sua attività pittorica, Speranza insegnò disegno alla Scuola Media Tadino di Milano, mantenendo sempre vivo il filo con la sua terra d’origine, dove trascorreva le estati e traeva ispirazione per i suoi paesaggi e scorci urbani. Francesco Speranza morì il 2 agosto 1984 a Santo Spirito, nel quartiere di BariFrancesco Speranza nacque a Bitonto il 19 ottobre 1902 e si affermò come uno dei pittori italiani più sensibili e raffinati del Novecento, noto per la sua adesione alla pittura figurativa e per i paesaggi della sua terra natale. Fin da giovane mostrò una spiccata vocazione artistica, che lo portò a frequentare l’Accademia delle Belle Arti di Napoli sotto la guida di Vincenzo Migliaro, affinando la tecnica del disegno e della pittura. Successivamente si trasferì a Milano, dove completò la sua formazione all’Accademia di Brera, diplomandosi con il massimo dei voti e consolidando il suo legame tra tradizione e modernità.La sua carriera espositiva si sviluppò a partire dal 1926, con la partecipazione alla mostra della Società per le Belle Arti alla Permanente di Milano, e proseguì con regolarità nelle principali rassegne italiane, tra cui le Biennali di Venezia e le Quadriennali di Roma. La sua pittura si caratterizzò per la capacità di catturare la luce e le atmosfere dei luoghi, prediligendo paesaggi urbani e rurali, marine e scorci di Bitonto, dove la luminosità meridionale si combinava a una sensibilità figurativa meditativa.Accanto ai paesaggi, Speranza realizzò ritratti dei suoi familiari e di amici, dimostrando capacità di unire precisione tecnica e introspezione psicologica. Le sue opere, spesso eseguite con tecniche come la tempera elaborata alla maniera antica, si distinguono per le velature delicate e la resa luminosa dei soggetti, conferendo a ogni scena un lirismo contemplativo e una forte suggestione poetica. Dipinti come Paesaggio italico testimoniano il suo legame con la città natale e la capacità di trasformare scorci quotidiani in visioni poetiche e meditate.Parallelamente alla sua attività pittorica, Speranza insegnò disegno alla Scuola Media Tadino di Milano, mantenendo sempre vivo il filo con la sua terra d’origine, dove trascorreva le estati e traeva ispirazione per i suoi paesaggi e scorci urbani. Francesco Speranza morì il 2 agosto 1984 a Santo Spirito, nel quartiere di Bari.

Luigi Filocamo
Alessandria d'Egitto 1906 - Milano 1988

"Oriente"
Olio su tela cm 35x25,5 firmato in alto a dx Luigi Filocamo

- Luigi Filocamo nacque il 8 dicembre 1906 ad Alessandria d’Egitto da una famiglia di origini calabresi e trascorse l’adolescenza a Milano, dove si trasferì con la famiglia nel 1915. Nei primi anni della sua vita artistica lavorò come disegnatore ma ben presto la sua passione lo portò a dedicarsi completamente alla pittura, influenzato soprattutto dalla grande arte sacra italiana del Quattrocento, che studiò con grande attenzione per forma e colore. Dopo un breve periodo di frequenza all’Accademia di Belle Arti di Brera, Filocamo iniziò a esporre le sue opere già negli anni Trenta, partecipando alle rassegne più importanti dell’epoca come le Biennali di Venezia, le Quadriennali di Roma e le esposizioni lombarde della Permanente di Milano.La sua opera si caratterizzò sin dall’inizio per un profondo legame con i temi religiosi e la pittura sacra: Filocamo dedicò gran parte della sua produzione a pale d’altare, affreschi e vetrate concepiti per luoghi di culto e spazi religiosi, lavorando con intensità e slancio creativo in edifici come la chiesa di Giussano e il Santuario di Santa Rita da Cascia, nella basilica di Sant’Ambrogio e nel Duomo di Milano, nonché nella cappella privata di Paolo VI in Vaticano. Le sue composizioni riescono a fondere un linguaggio figurativo contemporaneo con influenze arcaicizzanti e riferimenti alla pittura quattrocentesca, dando vita a affreschi e dipinti dal forte impatto visivo e spirituale.Accanto al fervore religioso, Filocamo dedicò anche attenzione alla pittura da cavalletto e al ritratto, realizzando opere come Concertista (1937), Il racconto del poeta (1940), Donna con mele (1953) e ritratti di benefattori e personalità civiche che esprimono il suo interesse per la figura umana e il carattere dei soggetti rappresentati. In tutte le sue creazioni emerge un uso controllato del colore, una struttura compositiva solida e un gusto che, pur rimanendo fedele ai canoni tradizionali, si confronta con il linguaggio del Novecento.Nel corso degli anni Cinquanta e Sessanta Filocamo continuò a partecipare a esposizioni d’arte sacra e a personali che consolidarono la sua fama nell’ambito figurativo italiano, portando le sue opere anche nelle collezioni moderne e contemporanee. Il suo impegno decorativo e pittorico attraversò decenni di intensa attività, tra committenze ecclesiastiche, ritratti e dipinti di tema profano, confermando la sua versatilità e la sua capacità di interpretare con un linguaggio personale la tradizione religiosa e figurativa italiana.Luigi Filocamo morì il 24 febbraio 1988 a Novi LigureLuigi Filocamo nacque il 8 dicembre 1906 ad Alessandria d’Egitto da una famiglia di origini calabresi e trascorse l’adolescenza a Milano, dove si trasferì con la famiglia nel 1915. Nei primi anni della sua vita artistica lavorò come disegnatore ma ben presto la sua passione lo portò a dedicarsi completamente alla pittura, influenzato soprattutto dalla grande arte sacra italiana del Quattrocento, che studiò con grande attenzione per forma e colore. Dopo un breve periodo di frequenza all’Accademia di Belle Arti di Brera, Filocamo iniziò a esporre le sue opere già negli anni Trenta, partecipando alle rassegne più importanti dell’epoca come le Biennali di Venezia, le Quadriennali di Roma e le esposizioni lombarde della Permanente di Milano.La sua opera si caratterizzò sin dall’inizio per un profondo legame con i temi religiosi e la pittura sacra: Filocamo dedicò gran parte della sua produzione a pale d’altare, affreschi e vetrate concepiti per luoghi di culto e spazi religiosi, lavorando con intensità e slancio creativo in edifici come la chiesa di Giussano e il Santuario di Santa Rita da Cascia, nella basilica di Sant’Ambrogio e nel Duomo di Milano, nonché nella cappella privata di Paolo VI in Vaticano. Le sue composizioni riescono a fondere un linguaggio figurativo contemporaneo con influenze arcaicizzanti e riferimenti alla pittura quattrocentesca, dando vita a affreschi e dipinti dal forte impatto visivo e spirituale.Accanto al fervore religioso, Filocamo dedicò anche attenzione alla pittura da cavalletto e al ritratto, realizzando opere come Concertista (1937), Il racconto del poeta (1940), Donna con mele (1953) e ritratti di benefattori e personalità civiche che esprimono il suo interesse per la figura umana e il carattere dei soggetti rappresentati. In tutte le sue creazioni emerge un uso controllato del colore, una struttura compositiva solida e un gusto che, pur rimanendo fedele ai canoni tradizionali, si confronta con il linguaggio del Novecento.Nel corso degli anni Cinquanta e Sessanta Filocamo continuò a partecipare a esposizioni d’arte sacra e a personali che consolidarono la sua fama nell’ambito figurativo italiano, portando le sue opere anche nelle collezioni moderne e contemporanee. Il suo impegno decorativo e pittorico attraversò decenni di intensa attività, tra committenze ecclesiastiche, ritratti e dipinti di tema profano, confermando la sua versatilità e la sua capacità di interpretare con un linguaggio personale la tradizione religiosa e figurativa italiana.Luigi Filocamo morì il 24 febbraio 1988 a Novi Ligure.

Giovanni Melarangelo
Teramo 1903 - Teramo 1978

"Primavera"
Olio su tavola cm 37,5x47,5 firmato in basso a dx Melarangelo

- Giovanni Melarangelo nacque a Teramo nel 1903 e si affermò come uno dei protagonisti della pittura abruzzese del Novecento. Fin da giovane si avvicinò all’arte come disegnatore e caricaturista, collaborando con giornali e riviste satiriche, e già negli anni Venti partecipava a mostre locali, sviluppando una formazione solida e una sensibilità particolare per la figura umana e la vita quotidiana.Negli anni successivi Melarangelo approfondì il suo linguaggio pittorico, combinando la tradizione figurativa italiana con aperture verso sperimentazioni stilistiche e influenze del verismo umanitario e della modernità europea. La sua produzione abbracciò ritratti, scene di vita rurale, paesaggi e, con grande attenzione ai dettagli e alla psicologia dei soggetti, il mondo del circo e del teatro di strada, che seppe raccontare con empatia e vitalità.Parallelamente all’attività artistica, Melarangelo dedicò gran parte della sua vita all’insegnamento, lavorando presso l’Istituto d’Arte di Lanciano e il Liceo Artistico di Pescara, contribuendo alla formazione di giovani artisti e mantenendo stretti legami con gli ambienti culturali abruzzesi. Negli anni Cinquanta partecipò regolarmente a premi e mostre nazionali, mentre negli anni Sessanta fondò a Teramo la galleria Il Polittico, spazio di promozione culturale e di dialogo tra artisti, che testimoniò la sua attenzione alla comunità artistica e alla diffusione dell’arte contemporanea.Malgrado i problemi di salute degli ultimi anni, Melarangelo continuò a esporre e a essere celebrato nella sua città, dove morì nel 1978.

Giovanni Melarangelo
Teramo 1903 - Teramo 1978

"Ritratto di fanciulla"
Olio su tavola cm 47,5x37,5 firmato in basso a sx Melarangelo

- Giovanni Melarangelo nacque a Teramo nel 1903 e si affermò come uno dei protagonisti della pittura abruzzese del Novecento. Fin da giovane si avvicinò all’arte come disegnatore e caricaturista, collaborando con giornali e riviste satiriche, e già negli anni Venti partecipava a mostre locali, sviluppando una formazione solida e una sensibilità particolare per la figura umana e la vita quotidiana.Negli anni successivi Melarangelo approfondì il suo linguaggio pittorico, combinando la tradizione figurativa italiana con aperture verso sperimentazioni stilistiche e influenze del verismo umanitario e della modernità europea. La sua produzione abbracciò ritratti, scene di vita rurale, paesaggi e, con grande attenzione ai dettagli e alla psicologia dei soggetti, il mondo del circo e del teatro di strada, che seppe raccontare con empatia e vitalità.Parallelamente all’attività artistica, Melarangelo dedicò gran parte della sua vita all’insegnamento, lavorando presso l’Istituto d’Arte di Lanciano e il Liceo Artistico di Pescara, contribuendo alla formazione di giovani artisti e mantenendo stretti legami con gli ambienti culturali abruzzesi. Negli anni Cinquanta partecipò regolarmente a premi e mostre nazionali, mentre negli anni Sessanta fondò a Teramo la galleria Il Polittico, spazio di promozione culturale e di dialogo tra artisti, che testimoniò la sua attenzione alla comunità artistica e alla diffusione dell’arte contemporanea.Malgrado i problemi di salute degli ultimi anni, Melarangelo continuò a esporre e a essere celebrato nella sua città, dove morì nel 1978.

Giovanni Melarangelo
Teramo 1903 - Teramo 1978

"Natura morta "
Olio su cartone cm 35,5x43,5 firmato in alto a dx Melarangelo

- Giovanni Melarangelo nacque a Teramo nel 1903 e si affermò come uno dei protagonisti della pittura abruzzese del Novecento. Fin da giovane si avvicinò all’arte come disegnatore e caricaturista, collaborando con giornali e riviste satiriche, e già negli anni Venti partecipava a mostre locali, sviluppando una formazione solida e una sensibilità particolare per la figura umana e la vita quotidiana.Negli anni successivi Melarangelo approfondì il suo linguaggio pittorico, combinando la tradizione figurativa italiana con aperture verso sperimentazioni stilistiche e influenze del verismo umanitario e della modernità europea. La sua produzione abbracciò ritratti, scene di vita rurale, paesaggi e, con grande attenzione ai dettagli e alla psicologia dei soggetti, il mondo del circo e del teatro di strada, che seppe raccontare con empatia e vitalità.Parallelamente all’attività artistica, Melarangelo dedicò gran parte della sua vita all’insegnamento, lavorando presso l’Istituto d’Arte di Lanciano e il Liceo Artistico di Pescara, contribuendo alla formazione di giovani artisti e mantenendo stretti legami con gli ambienti culturali abruzzesi. Negli anni Cinquanta partecipò regolarmente a premi e mostre nazionali, mentre negli anni Sessanta fondò a Teramo la galleria Il Polittico, spazio di promozione culturale e di dialogo tra artisti, che testimoniò la sua attenzione alla comunità artistica e alla diffusione dell’arte contemporanea.Malgrado i problemi di salute degli ultimi anni, Melarangelo continuò a esporre e a essere celebrato nella sua città, dove morì nel 1978.